LA VANGUARDIA CINEMATICA.
Conexiones históricas entre las practicas artísticas cinematográficas y videográficas.
La influencia de los distintos tipos de medios, desde el cine, las emisiones televisadas, las cintas de video, los video-juegos, cd, dvd, internet, van definiendo nuevos tipos de discursos. Hoy en día los artistas tienen puestas sus miras en estos medios, propios de la cultura visual que la que estamos inmersos. Una cuestión fundamental es la facilidad con la que se puede producir, transmitir y recibir la imagen en movimiento. (“El lenguaje de los nuevos medios de comunicación” de Lev Manovich)
A nivel referencial veremos también cómo el desarrollo del discurso artístico, dentro de esta relación arte-tecnología, sigue vinculado a la crítica de la representación, iniciada ya en la época de las vanguardias. No es pues casual el uso que Duchamp, Leger, Man Ray o Moholy-Nagy hicieron del dispositivo cinematográfico. La mayoría de los video-artistas reformularon las propuestas de esas primeras vanguardias: el uso de la perspectiva múltiple y los puntos de vista simultáneos explorados por los cubistas; la noción de aleatoriedad, la incorporación de la experiencia cotidiana y las nuevas relaciones con la audiencia investigadas por los surrealistas; o la provocación, el azar y la destrucción de las formas que interesó a los dadaistas.
El Cine de vanguardia (1920) junto a movimientos como el cubismo, surrealismo, constructivismo, futurismo pretendía derribar las barreras y los protocolos cinematográficos por medio de la abstracción, la música, los montajes de imágenes ofreciendo una iconografía libre de las limitaciones impuestas por las técnicas narrativas, la lógica del montaje y los movimientos de cámara. Ej: Vertov, Leger, Man Ray, Duchamp,…
El hombre y la cámara, 70’ (1928-29) de Dziga Vertov. Como la propia película declara en el manifiesto que le sirve de prólogo, quiso ser el primer film hecho “sin guión ni ínter títulos” que planteara un “lenguaje internacional absoluto” sin parentesco con el teatro ni la literatura. La ciudad moderna y la cámara de cine comparten los roles protagonistas. La película está compuesta por numerosas escenas discontinuas sobre la actividad cotidiana de San Petersburgo, la mayoría son tomas callejeras, también de obreros y de la vida doméstica.
En la América de los años 40, el ejemplo de la vanguardia europea inspiraría y daría paso al cine de vanguardia, también llamado cine experimental, cine underground o cine de autor.
Directores independientes que preferían mantenerse al margen de la industria cinematográfica. Un cine de autor comprometido con sus sentimientos e ideas, que daría expresión a un nuevo contenido estético. También los nuevos adelantos (16mm.,8mm., cámaras portátiles,...) propiciaban movilidad y reducción de costes.
Stan Brakhage, se ha convertido en ejemplo de cine experimental no sólo por las innovaciones técnicas que incorpora en sus obras —el montaje vertiginoso, casi cegador, y la manipulación de la película con pintura, collage, incisiones o raspaduras—, sino por la densidad intelectual y el carácter no-narrativo de su cine que se sitúa, junto al de Ken Jacobs, como uno de los cines experimentales norteamericanos más importantes del siglo XX. Libre de trípode, su cámara trazaba como su fue una herramienta artística. Ej: Water for Maya
Maya Deren, Se la considera la fundadora del cine underground en Estados Unidos. Lo significativo de su aportación es que toda su carrera corre en paralelo a la apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine. Redes de la tarde (1943)
Jonas Mekas, nacido en Lituania y exiliado a Nueva York ha sido la figura más importante del cine alternativo desde los años 50.
Uno de los movimientos más relevantes del cine independiente de los años 60 fue el “cine estructural”, termino que fue introducido en 1969 por P. Adams Sitney para describir el cine experimental que se realizaba fuera del contexto y también fuera de las tendencias más expresionistas y líricas. Es un cine que resalta su configuración formal y cualquier contenido narrativo que tenga es mínimo y subsidiario de su estructura. La duración y la estructura determinan el contenido por encima de la posible narración que generalmente se manifiesta de forma mínima.
Sitney aplicó los siguientes rasgos distintivos:
-posición fija de la cámara (aunque no necesariamente estática), montaje en bucle o repetitivo, parpadeo o destello, refilmación de la pantalla. Posteriormente se añade otras: como el celuloide como material, la proyección como acontecimiento.
Las referencias del cine estructural se encuentran en algunas películas de los años 20 como Emak Bakia (1926) de Man Ray, Anemic Cinema de Marcel Duchamp (1925) o el Ballet Mecánico de Leger.
Ej: Andy Warhol que realizó más de sesenta películas en este periodo muchas de ellas ya clásicos del cine como Sueño (1963) en la que el protagonista duerme delante de la cámara fija durante seis horas. Beso (1963) que consiste en primeros planos de parejas besándose. En ellas, Warhol confunde al espectador con una mezcla de tiempo real y tiempo fílmico. Espacio Exterior e interior (1965) proyección en dos pantallas de dos películas de 16mm. en la que vemos a la protagonista entablando un dialogo con su propia imagen previamente gravada en video.
Empire El Empire State Building filmado 8 horas consecutivas en un día desde el piso 44 de un edificio. Considerada cine estructural por la obsesiva repetición de la misma imagen y la larga duración del film. Siendo el mismo tiempo el tiempo de la realidad y el del cine.
Michael Snow es un artista canadiense que desarrolló una estética de montaje estructuralista tanto en cine como en fotografía. Su película más conocida es Wavelength Longitud de onda (1967) Una única toma con zoom del interior de un ático. La verdadera narrativa esta en el zoom de la cámara. El comienzo y el fin de este movimiento de cámara están determinados por la capacidad del objetivo, apertura máxima cuando empieza la película y apertura mínima cuando termina. La banda sonora incluye una onda sinusoidal que va desde la onda más baja hasta su nota más alta al final de la película. Wavelength es un trabajo que mezcla abstracción y representación, narración y pura percepción, tiempo y espacio, lejos y cerca, ficción y realidad. Hay 4 acontecimientos humanos que introducen rasgos narrativos pero el zoom es independiente de lo que acontece en el espacio, la parpadeante cámara-ojo continúa recta hacia delante sin prestar atención a la acción.
Paul Sharits T.O.U.C.H.I.N.G. (1968) montaje de fotogramas con múltiples combinaciones: imágenes grabadas, colores, palabras. Al proyectarse uno tras otro a modo de ráfaga, cada fotograma se convierte en una experiencia óptica directa desprovista de cualquier continuidad narrativa. En la banda sonora se repite la palabra “destruir” hasta que pierde su sentido.
Ej: Wirst Trick (1965)
En los años 50 , en Europa empezaba a despuntar el cine francés de la Nouvelle Vague (Truffaut, Godard, entre otros) Ej. Jean-Luc Godard que realizó películas y videos de largometraje donde se cuestiona la naturaleza del cine. Histoire(s) du Cinema , comenzado en 1989, es una combinación de cine y video donde se detalla la historia del cine a través de muchas capas de imágenes, combinadas con textos.
La cultura de los medios audiovisuales inició su despegue con el desarrollo de los nuevos proyectos del cine independiente (40-50) y continuo después con las innovaciones en el campo del video independiente(60-70). La cultura del cine estableció los modelos a seguir y tuvo una gran influencia en la cultura del video, que luego desarrollaría su propio lenguaje.
